Об этой композиции необходимо сказать особо. Без преувеличения она может стать настоящим базисом для нового оркестрового мышления. И вот почему.
Боуи здесь исповедует, в сущности, принцип Фомина, для которого оркестр был ничем иным как составом ИНДИВИДУАЛЬНОСТЕЙ, между которыми он строит равноценные созвучия, не принижая и не возвышая кого-либо. И именно такой принцип Боуи применяет в своем альбоме осознанно и показательно. Его аккомпанемент – это тоже «соло», т.е. каждый инструмент выполняет роль солирующего. Как, например, в данной композиции, где туба, играя свою обычную басовую партию, ею же, фактически, солирует. И так – каждый из инструментов.
И именно это для меня (наряду с «ращеплением» АВ) является фундаментальным в создании нового музыкального менталитета.
То есть – это двоичность музыкального сознания (где, при этом, абсолютно любой элемент может стать Синтезом) и индивидуальность оркестрового самовыражения (где каждый инструмент в определенный момент времени исполняет свое соло, даже играя совместно с другими инструментами, создавая общую звуковую палитру образа), а аккордовая «безликость» уходит в прошлое.
И тут сама собой возникает эстетика «прозрачного» оркестра в противовес романтической «звуковой стены», причем само оркестровое наполнение может быть каким угодно смешанным и разношерстным, ибо нет понятия «тутти», а есть понятие «последовательность звучания», которую можно выстраивать между даже самыми несозвучными инструментами, создавая особый колорит образа.
Все это скорее «читается», нежели слышится в данной композиции Дэвида Боуи. В ней это заложено где-то на подсознательном уровне.
Форма данного произведения тоже интересна.
С(начало)+А(дважды)В(единожды)+А(дважды)В(дважды)+С(конец)
Я бы здесь весьма основательно разделил Синтез на начало и конец, где начальная фаза выполняет роль вступления, а конечная – окончания произведения.
***Кстати, примерно такая же структура «раздвоенного Синтеза» мне слышится во второй части «Концерта Марчелло»***.
This composition must be said especially. Without exaggeration, it can be a real basis for new orchestral thinking. And that's why.
Bowie here confesses, in essence, the principle of the Fomin, for which the orchestra was nothing more than the composition of the individualities, between which he builds the equivalent consonances, without bringing anyone. And it is this principle of Bowie that applies in its album consciously and significantly. Its accompaniment is also "solo", i.e. Each tool performs the role of solo. As, for example, in this composition, where a tub, playing your usual bass batch, it actually solorates. And so - each of the tools.
And it is precisely this for me (along with the "Rack" AV) is fundamental in creating a new musical mentality.
That is, it is the visuality of the musical consciousness (where, at the same time, absolutely any element can become a synthesis) and the individuality of the orchestral self-expression (where each tool at a certain point in time performs its solo, even playing together with other tools, creating a common sound palette of the image), And the chord "chance" goes into the past.
And here herself arises aesthetics of the "transparent" orchestra in counterweights of the romantic "sound wall", and the orchestral filling itself can be as mixed and tremendous, because there is no concept of "Tuti", but is the concept of "sound sequence", which can be built between even The most intimate tools, creating a special color flavor.
All this is more "reading", rather than hears in this composition David Bowie. It is laid somewhere on the subconscious level.
The form of this work is also interesting.
C (start) + a (twice) in (once) + a (twice) in (twice) + s (end)
I would very much thoroughly divided the synthesis at the beginning and the end, where the initial phase acts as an entry, and the ultimate - the end of the work.
*** By the way, about the same structure of the "split synthesis" I am heard in the second part of the "Marcello concert" ***. Смотрите также: | |
